ARTE CONTEMPORÁNEO VS. CLÁSICO: LO QUE NO ES NECESARIAMENTE VISIBLE A OJOS ABIERTOS

Por Lucilla Ricca

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El arte, como muchas cosas, no puede considerarse algo objetivo porque es algo que nace en las mentes fértiles de los artistas, que tienen alma atormentada o espíritu noble, por lo tanto sólo quien tenga el mismo espíritu consigue entenderlos completamente, las obras y los artistas; conque creo que una afirmación como “El arte contemporáneo es una tomadura de pelo, ni es arte, ni tiene ningún mérito, ni es bonito. Lo que se hacía antes sí era verdadero arte” no puede ser verdadera, en mi opinión nadie puede establecer qué es la belleza en el arte: arte es sintonía de colores y armonías de formas.

Para empezar, pongo en oposición a esa perniciosa afirmación una cita de Pablo Picasso que dice “Los colores, igual que los rasgos, siguen los cambios de las emociones” eso es verdadero, eso es arte, siempre cambiante, como los colores según las emociones de los aristas, de los seres humanos, algo no siempre conocible y previsible.

Por un lado, creo que hay muchísimas obras de arte contemporáneo que pueden ir bajo la denominación de Arte, aunque admito que viendo ciertas instalaciones se pueda pensar en algo como ‘¿Qué es eso?’ pero no se puede poner a todo el mundo en el mismo saco, simplemente porque al arte lo define el espectador, y cada uno de nosotros tiene una sensibilidad diferente, tiene ojos y conocimientos diferentes.

Por otro, evaluando las pautas estéticas, apoyadas por muchos críticos, clérigos, textos históricos y los que tienen poca empatía, o sea ‘las pautas clásicas’, me doy cuenta de que cada uno de ellos ve las cosas demasiado racionalmente, quieren sólo mirar cuán realista es aquel cuadro y la perfección del artista en el imitar la realidad y la armonía de los cuerpos. Los colores y todo lo que puede ser considerado producto del flujo de conciencia del artista es tratado por estas personas y estos textos como una cuestión secundaria, incluso no se toma en cuenta. Eso por lo que respecta los “clasicistas de hoy”. Sin embargo, para los clasicistas verdaderos, los de una época ya lejana, estas pautas eran todo lo que sabían sobre el arte y que tenían que difundir mediante las Academias, no existía nada fuera de lo ordinario. Eran los primeros enfoques con un arte tan avanzado.

Por eso son, irónicamente, justificados y elogiados, ¡si no fuera por los académicos jamás habríamos llegado tan lejos! Por mi parte, estoy en el medio: aprovecho las pautas clásicas pero me gusta mirar más allá, imaginar nuevos caminos. No culpo a nadie porque sin los conservadores que apoyan al Clasicismo no se hablaría más de las que son las bases de todos los movimientos artísticos hasta aquí, por lo tanto el arte clásico es algo necesario pero no exclusivo; no culpo a los que aprueban lo que se puede definir como arte contemporáneo, porque evolucionar es necesario y natural, puede conducir a cualquier resultado, no importando si es bonito o feo. Culpo a los que critican porque son, mayoritariamente, prejuiciosos o, en toda su existencia han visitado sólo una exposición de arte contemporáneo o se enfocan exclusivamente en las obras que siempre ven en las iglesias, pensando “como hay muchas obras así, seguro ese es el arte puro”.

El artista, en todo eso, es el que goza del mayor placer: la capacidad, sin vergüenza, de expresar lo que piensa y regalarnos maravillosas visiones o escenarios aterradores.

Para terminar, me da pena decirlo, el arte es para los que reconocen, como el artista, sus propias debilidades, los que admiten la existencia de algo que no tiene que ser necesariamente aprobada por los demás, para quien sabe escuchar, imaginar y tiene un pensamiento asimétrico, ellos son los que pueden COMPRENDER el arte, los otros lo MIRAN.

Creo que el arte es indefinible, es una de las pocas capacidades del hombre que admiro firmemente.

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El verdadero arte / El arte verdadero

Por Francesca Sallioni

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Capilla de Santa Cecilia, Bolonia

El arte es un componente de la cultura, se puede definir como cualquier producto realizado con una finalidad estética mediante la cual se expresan ideas, emociones o, en general, una visión del mundo, a través de diversos recursos.

Para empezar, la historia del arte es una mezcla de estilos y productos muy diferentes entre sí. Es cierto que no se puede comparar el arte de hoy con el del pasado. Este cambio radical ha producido varios puntos de vista sobre lo que tendría que considerarse arte verdadero.

Por un lado, están los que piensan que: “El arte contemporáneo es una tomadura de pelo, ni es arte, ni tiene ningún mérito, ni es bonito. Lo que se hacía antes sí era verdadero arte.” Estas personas están convencidas de que el arte sólo puede ser algo casi imposible de copiar, un producto desarrollado después meses o años de trabajo. Sobre todo no entienden qué valor puedan tener las obras de hoy e incluso cómo es posible que cuesten tanto. Sus artistas predilectos son los que preceden la edad contemporánea como por ejemplo: Michelangelo Buonarroti que hizo los frescos de la Cappella Sistina en Roma, empleando más de cuatro años para terminarla.

Por otro, encontramos a otra gente que por el contrario prefiere la contemporaneidad, le encanta la sencillez de estos productos y el significado que pueden tener. Por esto está dispuesta a pagar millones para conservar una obra de esta arte en su casa y jactarse de su prestigio. Algunos de estos individuos para subrayar su interés se tatúan símbolos del arte contemporáneo.

Por mi parte, estoy entre los que creen que el verdadero arte es el del pasado. Según yo sólo se puede considerar arte algo que casi nadie sea capaz de reproducir, tiene que ser un trabajo duro, que contenga significados escondidos, difícil de interpretar pero, sobre todo, es fundamental que sea único. Reconozco que el mundo del arte es infinito y por eso con el paso del tiempo se arriesga producir algo monótono o que se considere como una copia de algún artista pasado. Además es verdad que muchos de los que se interesan en este arte o producen para este arte, creen que el dinero es la única finalidad. Sin embargo son dos tipos de producciones completamente distintas que sin duda no se pueden comparar.

Para terminar, la motivación que empuja a considerar este tipo de arte como el verdadero es la moda y la economía, si no se ganase tanto dinero de estas obras seguro que hubiera menos interesados. En el último de los casos, la realidad es que lo positivo del mundo es que todos somos diferentes y nos gustan cosas distintas por lo tanto nunca será posible tener un único ideal de arte para todos, pero lo importante es no olvidar y no despreciar el pasado, porque sin el pasado ni siquiera existiríamos.

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Literatura y cine mexicano: Una película de concierto, un concierto de película

Presentación de Barroco de Paul Leduc (1989)

por Sabrina Tauro

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Hola a todos, mi nombre es Sabrina Tauro, y soy una estudiante de “Laurea Magistrale” en “Lingua e cultura italiane per stranieri”, y estudiante de música en el Conservatorio Gaetano Braga de Teramo.

La primera película del ciclo de “Literatura y cine mexicano” que les presento es Barroco dirigida por el director mexicano Paul Leduc (1942), inspirada en la novela Concierto barroco del cubano Alejo Carpentier (1904 – 1980).

Concierto barroco —la novela— fue publicada por primera vez en México en 1974. Hay muchas correspondencias entre la novela y la película, en el sentido de que Leduc fue muy fiel en términos de sinopsis a la obra de Carpentier. La que sí es diferente es la manera de tratar el tema. Se darán cuenta de que la película está concebida como un sueño: no hay diálogos, ni tampoco, al menos en apariencia, una historia que tenga un desarrollo lineal, más bien está planeada como para dar la sensación de un relato onírico que se va entrelazando a través del tiempo. No obstante, dentro de este tiempo, sí hay un desarrollo temático que acaba al final con una lógica perfecta, cosa que el espectador atento pillará solo cuando termine la película. No quiero contarla toda, pero es necesaria una pequeña contextualización.

Nos encontramos en la primera mitad del siglo XVIII. Un criollo, disfrazado de Moctezuma, decide hacer un viaje a Europa. Desde La Habana, permite que lo acompañe un liberto (que en el libro de Carpentier se dice que es descendiente del negro Golomón, quien dio muerte al pirata Gilberto Girón). Pasan por España y llegan a Venecia —que en la película es un lugar donde se encuentran todos los tipos de trajes y música, incluida la cubana—, donde Vivaldi se interesa por la historia que cuenta

Captura de pantalla 2018-03-22 a las 15.49.22el criollo del Emperador Moctezuma. Adaptándola a su visión occidental, el compositor italiano transforma la historia y crea su famoso “Dramma per musica Montezuma”.

Para concluir, es importante poner atención en el hecho de que la película está dividida en tres partes: andante, contradanza y rondò. Esta estructura tripartita es característica de las obras de época barroca y su relación con la película es significativa. De hecho, cada parte parece representar en música lo que se va desarrollando en la escena. El andante, tiempo moderado entre el adagio y el allegro está perfecto para el comienzo del desarrollo de la película, en la que vamos entrando poco a poco.

Caso particular es el de la contradanza: es cubana y es conocida también como “contradanza criolla”. Sus orígenes derivan de la contredanse europea del siglo XVIII y fue importada a Santiago de Cuba por los colonos franceses que huían de la revolución haitiana de 1790. Ésta es, claramente, la parte de la película en la que está el Carnaval de Venecia y luego veremos por qué.

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Para concluir, tenemos el rondò, donde está, en un crescendo de dinámica y emoción, el epílogo de la película. Todas estas indicaciones musicales precisas se entienden mejor si pensamos en el hecho de que el Barroco es una época de “reordenaciones musicales”, entre las que destaca, por ejemplo, la del temperamento equiabile, o sea la construcción de la escala basada en la subdivisión de la octava en intervalos iguales entre ellos.

Les invito, entonces, a apreciar esta obra de arte del cine mexicano, a entrar en la atmósfera, en el clima de la película y a disfrutarla en su totalidad, incluso sus momentos de silencio porque, como explica el mismo Carpentier —que era músico y pintor también— citando las Confesiones de San Agustín, el silencio tiene un “valor musical (…) milagrosamente anunciador del futuro”. En Conversaciones con Alejo Carpentier el escritor habla también de Debussy para llegar a este concepto del tiempo en la música.

Como Debussy componía a base de pequeños toques sonoros, de matices luminosos, zonas de sombras, zonas de luz, iridiscencias, evanescencias, matices, cromatismos, etc. se dijo que era música impresionista. Carpentier nos dice que Debussy se enfurecía cuando oía hablar de esto, y añade que música y pintura especulan de maneras diversas: en la música el espacio no existe, sino el transcurso del tiempo.

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Esto crea un “efecto de alienación” y chirría a los músicos europeos. Además, en la última parte la escena del “gran concierto barroco” muestra cómo el “descubrimiento” de América representado en la obra de Vivaldi pertenece, como hemos dicho antes, a una visión del mundo occidental, si queremos, “eurocentrista”, y esto a los espectadores americanos, después de su inicial entusiasmo en asistir a la representación, los deja un tanto escépticos. De todos modos, el resultado es una película mezcla de misterio, encanto y magia, precisamente como lo “real maravilloso” de la poética del escritor cubano.

Entonces, les deseo a todos que disfruten de este “concierto de película” o esta “película de concierto”.

Ficha técnica

Barroco (1989)

(México – España – Cuba)

Director: Paul Leduc

Guión: José Joaquín Blanco, Paul Leduc, Jesús Díaz, inspirado en Concierto Barroco de Alejo Carpentier

Fotografía: Ángel Goded

Edición: Rafael Castanedo

Reparto: Francisco Rabal, Ángela Molina, Ernesto Gómez Cruz, Roberto Sosa, Alfredo Pedro, César Portillo de la Luz, Elena Burke, Pablo Milanés, Juan Peña, Omara Portuondo, José Antonio Méndez, Silvio Rodríguez

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Garibaldi: el héroe de dos mundos

Niccolò Alessandro Viva y Marco Rocchi

Hoy vamos a presentar y celebrar la historia de un hombre muy importante para el pueblo italiano, figura central del Resurgimiento italiano y uno de los padres fundadores de nuestro país, el héroe de dos mundos: Giuseppe Garibaldi.

 

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No sirven obviamente las presentaciones, pero queremos decir que este hombre, a prescindir de sus ideas políticas, fue un hombre de grandes valores que personalmente estimamos y si nos preguntaran por un ejemplo de esperanza, ánimo y virtud mencionaríamos indudablemente a Garibaldi.

Un rebelde, un revolucionario, el hombre italiano con más alto alcance e importancia junto a Giulio Cesare.

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Acaparamiento de tierra en América Latina

Por Simone Zani y Giovanni Serafini

 

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Fuente de la imagen: Indygraf

Giovanni y yo elegimos este tema porque creemos que es muy interesante y, sobre todo, porque el acaparamiento de tierra es un problema no sólo de América Latina, sino mundial.

Además, hablamos sobre la situación de los Mapuches porque es actual, está implicada una empresa italiana, Benetton, y para despertar la curiosidad de nuestros compañeros.

Definición general

Empresas, sociedades financieras, instituciones universitarias y otros entes de países ricos que compran pedazos de tierra de países pobres para hacer inversión.

Este fenómeno ha crecido mayormente después de la crisis mundial del 2008. Los países pobres venden sus propias tierras para pagar sus deudas.

¿Qué ocurre?

●Generalmente se cultiva sólo un tipo de cultivación
●Se extraen fuentes energéticas
●Se explotan obreros y tierra
●Se aplican las leyes del país “dominador”

Efectos

●  Toxicidad del terreno
●  Alteración geográfica
●  Destrucción de las pequeñas economías
●  Evacuación de la zonas compradas

Italia y el acaparamiento de tierra

Empresas italianas también están implicadas en este fenómeno. Dos son los casos más famosos de acaparamiento de tierra en América Latina por parte de italianos. El primero es el de ENEL, que fue acusada por haber utilizado carbón que provenía de una empresa implicada en casos de explotación y homicidios en Colombia.

Otro caso es el de la Benetton en Argentina: Benetton es el mayor propietario privado de Argentina. 900.000 hectáreas distribuidas en cuatro provincias (Buenos Aires, Río Negro, Chubut y Santa Cruz). En 1991 Luciano Benetton compró tierras por 50 millones de dólares.

Benetton y Mapuches

Los Mapuches son una comunidad indígena que vive entre Argentina y Chile. Los terrenos comprados por Benetton eran suyos, y los consideraban ancestrales. Los Mapuches fueron desahuciados de sus propias tierras y fueron puestos en lugares peores. Benetton utiliza esas tierras para el pastoreo de ovejas y para la reforestación de pinos, estropeando el terreno. Desde hace mucho tiempo los Mapuches de Chile y Argentina protestan contra esta explotación, para ser tratados con igualdad y para no ser juzgados con la ley antiterrorista.

En los últimos meses de manifestaciones, durante un enfrentamiento, un chico argentino, Santiago Maldonado, desapareció y fue encontrado muerto.

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Fuente de la imagen: Pixabay/MonoRenal

Sin embargo, desde 2015, los Mapuches están reocupando esas tierras, pidiendo a los gobiernos el reconocimiento de la diversidad étnica, cultural, la gestión directa de los recursos naturales y la ocupación de terrenos tradicionalmente ocupados por ellos.

Bibliografía y fuentes consultadas

https://www.farmlandgrab.org/post/print/27612

http://www.cosavostra.it/approfondimenti/land-grab

 

 

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El arte a debate: El arte como placer y sentimiento

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Obra de Blub en un medidor de gas en Florencia

Por Giulia Luciani

Es una idea compartida la de que el arte contemporáneo es un arte “difícil” de definir: algunos dicen que no tiene sentido, otros dicen que no se puede considerar verdadero arte y otros afirman que tampoco es bonito. Son verdades que reflejan el pensamiento de personas que desde siempre están acostumbradas a concebir el arte como Michelangelo, Picasso, Van Gogh, Dalí, Goya o Chagall; es decir, un tipo de arte que, como siempre nos han enseñado, quería representar los pensamientos y los sentimientos de los intelectuales de su tiempo, o a lo mejor los artistas querían representar su visión del mundo a través de su arte. Por supuesto creo que también el arte contemporáneo tiene esa finalidad, pero, mientras el tipo de arte del que hablaba lo hacía a través de indicativos instrumentos: colores, personajes, expresiones, disposición; el arte contemporáneo se porta de otra manera: quiere revolucionar nuestra mentalidad, se impone descaradamente sin explicarnos nada, pretende que esforcemos nuestra imaginación, y por eso no nos gusta.

Personalmente, no entendiendo tanto de arte, estimo muy pocas obras de arte contemporáneo, y sobre todo aquellas a las que no consigo dar una explicación sensata, pero nunca pretendo buscar la única verdadera explicación. Eso es lo que tendríamos que hacer todos a la hora de mirar al arte contemporáneo: poner por un lado la petición de saber cuál es el mensaje más profundo e intentar descifrar lo que esa obra despierta en nosotros. Porque, al fin y al cabo, estoy convencida de que el arte es esto: placer y sentimiento.

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El arte a debate: El arte como expresión de creatividad e ideas

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Una obra de Blub en una pared de Florencia

Por Lorena Vitello

El arte, en todas sus expresiones, siempre ha sido una manera del hombre para expresar su emociones, sentimientos, ideas, pensamientos. Por eso el arte es expresión de la vida. La hermosura del arte clásico, su grandeza y majestuosidad, y la importancia que ha tenido a lo largo de varios siglos, hacen pensar a algunos que este es el único válido y en la contemporaneidad ya no se produce buen arte. Para empezar, hoy en día existen muchos más tipos de arte que unos siglos atrás: la fotografía, por ejemplo, es bastante reciente y se está desarrollado durante estos años; lo mismo pasa con las instalaciones.

Por un lado, los que creen que el arte contemporáneo no tiene méritos, asocian la idea de arte al arte clásico, que sólo puede tener una interpretación. El arte clásico representa la perfección desde el punto de vista de la técnica, pero no puede ser testigo de nuestra sociedad actual que se ha desarrollado de manera nueva. El arte contemporáneo es tan diferente y además veces difícil de entender porque nuestra sociedad es heterogénea.

Por otro lado, algunos piensan que el arte contemporáneo es expresión bonita y a veces original del hombre moderno. Los medios de comunicación y la dependencia del hombre de la modernidad (Internet, móvil) llevan a menudo a la falta de relaciones sociales entre personas, y uno de los temas de que trata, entre los otros, es esto.

Yo creo que todo lo que puede ser considerado expresión de creatividad e ideas es arte, en todas sus formas. No se tiene que comparar lo moderno con la hermosura de las obras del pasado, porque se trata de cosas diferentes,  nacidas en contextos totalmente diferentes. Cada forma de arte tiene que ser interpretada según el contexto, el periodo histórico y la sociedad en la que se desarrolla.

Para concluir, el arte es una oportunidad para el autor para expresar su punto de vista hacia el mundo, y para el público para intentar ver las cosas de manera diferente y no quedarse inmovilizados en su punto de vista. Por eso creo que siempre se debería profundizar el significado de una obra y no juzgar sin conocer.

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